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应小敏:伦敦西区剧院的繁盛对中国戏剧产业的启示

更新时间:2015-11-28 17:10:30
作者: 应小敏  
被称为“我们这个时代的舒伯特”。1994年,韦伯高踞美国《戏剧周刊》排列的“对美国戏剧界影响最大的100人”之首。麦金托什是当今最负盛名的制作人之一,被称为“戏剧制作的沙皇”。1981年,两人完美配合,共同创作的《猫》(Cat)成了音乐剧的典范。它打破了音乐剧的旧有模式,提供了一种朴素而活泼的戏剧方法。不依赖大牌明星,把各种音乐融于一体,从古典到流行、爵士、摇滚、电子音乐,甚至宗教赞美诗风格。同时,突破以往英国音乐剧舞蹈偏弱的局面,将“唱、演、舞”三者有机结合,把音乐剧提升到一个新的高度。《猫》自面世之日起,就得到观众和评论界的一致好评,获得奥利弗“最佳音乐剧”、“最佳编舞”奖,格莱美“最佳表演演唱”奖,托尼奖等7个奖项。

   《猫》的成功开创了音乐剧高投资、高回报的经典案例,也为音乐剧产业开拓了新的领域。韦伯曾回忆说,《猫》的创作花了90万英镑,但把《猫》搬上百老汇舞台,花了500万美元,《猫》从此走向世界。巨额投资,打造视听奇观,开始成为伦敦西区音乐剧制作的一种经典模式。从上世纪80年代的几十万逐渐上升到新世纪的上千万英镑投资。高额投资的背后是残酷的现实,每5部新剧仅有1部能盈利。当然这1部的成功足以覆盖其他4部剧目的投资。如《猫》从1981年的首演到2002年落幕,连续上演了21年,约9000场次,同时用十几种语言到20多个国家进行巡演,全球票房超过200亿美元。这些经典剧目的投资回报已无法用传统的投资回报率来衡量。因此伦敦西区吸引了大量风投资金的关注。但戏剧产业的核心仍旧是“内容”,不能只靠金钱和技术来堆砌。

   伦敦西区还有一部分成功的剧目并非大制作。戏剧产业低成功率、高风险、高回报的投资特色,使这个领域产生越来越多的专业投资人和投资机构。它们在集合大量资金的基础上,通过分散投资保证了成功率,通过经典剧目和创新剧目的“混搭”投资,保证稳定的现金流。融资渠道的延伸和投资人范围的扩大,加快了产业创新,使它不再单纯依赖于天才的诞生。

   驻场演出是西区剧院的一大特色和盈利秘诀。有规律、有系统的循环式驻场演出,不仅降低了戏剧的风险成本,确保了盈利,同时也锻炼和提升了整个演员团队的表演能力和表演水平,从而造就出一批经久不衰的经典剧目。长达几十年的驻场演出,却几乎场场爆满,演职人员依然如第一场演出,一丝不苟。“戏比天大”成为这些职业演员的最高信条。它们的职业道德,保证了产品品质的始终如一。

   精品的层出不穷,离不开西区剧院产业化的分工。以制作端来看,从创作源头、剧目选择到舞台技术等,皆有精细的专业分工,这样就保证了产品生产的每一环节都得到最好的资源配置。在西区,职业经理人多由职业艺术家组成,它们能更好地深入市场,进行有效的市场调研、受众分析、剧场效果评估等。为了保障票房率,在演员的选取上,常请回当红的影视明星。如《纸牌屋》(House of Cards)中的男主角史派西(Kevin Spacey),主演莎剧《理查三世》,并全球巡演(2011年);“憨豆先生”阿特金森(Rowan Atkinson),重返西区舞台(2012年);《神探夏洛克》(Sherlock)中的康伯巴奇(Benedict Cumberbatch)2015年10月将出演话剧《哈姆雷特》,提前一年开始预售总约100场的门票,结果7小时内全部售罄。在剧目的选择上,多采用一些畅销电影或名著改编,如《一九八四》(1984,2014)、《人鬼情未了》(Ghost,2011)、《修女也疯狂》(Sister Act,2009)和《悲惨世界》(1985)等。

   被誉为“史上持续上演时间最长的音乐剧”《悲惨世界》,已演出12000场。“每位演员的表演都达到了‘标准化生产’,出彩之处已精确到‘计秒算点’。制作团队曾连续1周拿着秒表坐在观众席记录掌声和笑声时间及频率,再对演出进行调整。”[3]相比起有几十年历史的老剧,《战马》只能算年轻的新编剧目。从2007年问世至今好评不断,已成为英国国家话剧院成立以来最成功的一部商业制作。现移至西区的新伦敦剧院(New London Theatre)驻场演出。斯皮尔伯格就是被《战马》深深打动,决定要拍同名电影。2011年《战马》(War Horse)上映后,获得奥斯卡6项提名。伦敦西区再次掀起去剧院看《战马》的热潮。在这部以“马”为主角的作品中,国家剧院特别选择了一种源于非洲的独特工艺“实操木偶”,用木条框架搭起马的骨架,由两个演员操控这匹“木偶装置马”。两个演员必须默契配合,才能把马的翻眼、动耳、悬蹄、摆尾等动作表现得惟妙惟肖,从而展现出马的丰富情感。这需要演员们不仅具备演员必需的演技,还需具备运动员的耐力和爆发力,甚至是杂技演员的各种技巧,最终实现木偶与真人的完美配合。

   反观国内目前的戏剧制作,多是图快、博名,其结果往往是“有政绩无业绩,有获奖无观众”,鲜有能流传下来的经典作品。《战马》的团队是卧薪尝胆式的艺术创作,5年磨一剑。就国内目前的艺术环境来说,很难做到如此慢工细活。但正是这份精细,才能带来惊喜。西区剧院在强大的商业化传统下,仍然坚守着戏剧的公共性。社会的文明程度,观众的素质教养,成为它的第一“审查官”,在这里商演与艺术并非天敌,而是一种双生共赢的关系。而我国小剧场的发展,越来越趋向于以盈利为唯一目标的纯商业性演出。小剧场已成为“低成本”、“段子文化”、“娱乐戏剧”的代名词。“据不完全统计,2010年初至2011年末,仅北京就有350多个小剧场剧目上演,数量之多可谓壮观,然而‘三低’剧目(低创作投入、低艺术质量、低道德水准)也占到一半以上,令人咋舌。”[4]

   目前,我国正在以举国之力去反“三俗”,可这种文化自救运动仍旧是一种低端的文化自觉。缺乏虔敬的职业道德,缺乏创意人才和会欣赏美的观众,缺乏优胜劣汰的市场机制,中国成熟的戏剧生态养成任重道远。

   西区剧院在产业链上游的产品制作中,走了一条“剧院—创新—精品”之路,在产业链的下游,宣传、推广和销售上,也形成了西区特有的模式。为了打造“戏剧之都”的形象,扩大市场需求,伦敦剧院协会和伦敦市政府合力进行“地毯式广告轰炸”营销策略。从机场、地铁、公交车站,到任何一处旅游资讯点、酒店前台,戏剧演出的宣传海报和折页无处不在。主流报纸的文化版面上,每天都刊登新上演剧目的剧评和评分。每年夏天举办的“西区现场”音乐会,免费面向公众,演出各剧目的经典片段。伦敦之外的观众如果来西区看戏,还可以凭戏票买半价火车票、地铁票等。

   除了实体的广告和促销,营销团队还成功地借助了网络和新媒体。在售票机制上,除了传统的剧院和代理售票点可以售票外,还有非常重要的网络售票。伦敦剧院协会运营的“伦敦剧院官网”(www.officiallondontheatre.co.uk),是伦敦演出界的门户网站。该网站用7种语言版本,集中提供伦敦西区最新的演出信息、幕后花絮、评论专访、剧院查询、售票服务、视频浏览等,既权威正规,也非常便捷,不仅方便了消费者,也从整体上促进了西区各剧院的销售,并减小了各剧院自身的网站建设和维护成本。网络营销团队还运用社交网站的力量,让热情的观众传播各种演出信息。如2013年6月由“奥斯卡最佳导演”萨姆•门德斯重拾老本行,执导的音乐剧《查理和巧克力工厂》(Charlie and the Chocolate Factory),迄今已吸引了50多万观众。2013年3月从百老汇来到西区的《摩门经》(The Book of Mormon),在官网上发布了为期一天的降价售票推广活动,卖出了创纪录的210万张,到2014年7月份之前的戏票几乎销售一空。

   伦敦剧院协会主办的奥利弗奖是英国表演艺术领域最有分量的奖项,被称为“英国的奥斯卡”奖。颁奖当天,各大媒体的直播、明星的走秀、观众的参与,伦敦剧院协会联手英国媒体把“奥利弗”评奖打造成每年度的重大文化事件,使戏剧深入人心。伦敦不遗余力营造“戏剧之都”的氛围,用各种手段培养忠实的观众,尽可能地扩大、制造需求,有效地保证了戏剧产品的买方市场。

   四、市场培育,戏剧教育的普及

   伦敦西区戏剧生态的养成,具有如此成熟与完备的产业链,最为隐性的一环是英国人对戏剧教育的重视。早在16世纪伊丽莎白时代,英国就开始提倡校园戏剧,把戏剧与学校教育结合起来。当代英国的基础教育也沿袭了这一传统,把戏剧纳入到普通中小学的教育体系之中。一般的中小学都设有戏剧表演课程,每学年结束时会邀请家长和全校的学生做观众来欣赏它们的表演。

   英国公共艺术教育也历史悠久,从维多利亚时代开始,便通过博物馆、美术馆、剧场等机构,对国民进行艺术教育。资助艺术教育,成为个人和企业回报社会,提升社会地位的重要方式。在当代英国,艺术教育早已超越了单纯的观众发展概念,而成为英国艺术机构,包括非盈利的和完全商业化运作的艺术机构,最重要的工作之一。绝大多数的艺术机构设有教育部门。艺术教育水平的高低,已成为英国各艺术机构的实力象征和品牌推广的重点。比如像环球剧院每年会举办大量针对全英青少年的戏剧教育活动。“2011年,来自2500个学校的8万名15-18岁的中学生,到剧院参加半天至一天的讲习班,其中70%的学生多次来过这里。”[5]

   上世纪80年代初,英若诚先生走访了英美剧院,他被英国泽被深远的戏剧教育理念深深打动:

   它们有很多儿童剧院,很繁盛,演出形式也活泼。……除正规儿童剧院外,英国有的地区还有由文化馆性质的机构扶持业余儿童剧团,一年52个星期,每星期组织一次内容不同的青少年演出。……此外,对再小一点的孩子,就专门组织一些戏剧班,搞各种游戏性质的表演。[6]在英国,这些搞儿童剧的人也非常自豪,因为它们明白“‘儿童是我们明天的观众,如果没有儿童对戏剧的熟悉,对戏剧的爱好,那么,我们明天的戏剧就没有希望。’应该说,一个国家戏剧的光明,观众是决定的因素,没有观众,就没有戏剧。”[6]

   西区剧院作为全英商业剧院的大本营,同样十分重视戏剧的公共性以及对青少年观众的戏剧教育。例如,布景简单,角色稀少,成本低廉,荣获多项戏剧大奖的话剧《侦探到访》(An Inspector Calls,1992),剧本被收录到中考文学(English Literature GCSE examination)的指定篇目。盖里克剧院开设了主要面向学生的下午场,前来观看和学习的小学戏剧教师也很多,特价戏票常常在年初就被预订一空。话剧《黑衣女人》(The Woman in Black,1987),演出场次已超万次。这部用最简洁的手段制造出最神秘恐怖气氛的话剧,其高妙的构思使它成为“如何制作戏剧”的戏剧范本,成为学习戏剧的学生的必修剧目。励志剧《舞出我天地》(Billy Elliot,2005),改编自同名电影,也是英国电影史上最成功的影片之一。全球有超过870万人看过这出从电影改编成的音乐剧,其中在伦敦看的有400万人。该剧除了在北美巡回演出,还在悉尼、芝加哥、东京、首尔等城市上演,各地先后有70名11至14岁男孩子扮演了比利•艾略特这个主角。③剧中的小演员歌舞并重,唱做俱佳。作为音乐剧输出大国,英国对演员人才的培养,真是从娃娃抓起。

英国的戏剧教育不仅十分重视青少年,而且面向全社会,惠及所有社会人群。英国艺术委员会2010年制定的10年规划《为所有人创造伟大的艺术:艺术发展的战略性目标》,追求的是:“卓越性、普及性、参与性、多样性和创新性”。这5个战略性目标也是英国政府决定对其资助项目拨款的判断依据。英国政府想要保持自己在世界艺术舞台的中心地位,(点击此处阅读下一页)


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本文责编:陈冬冬
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文章来源:《戏剧(中央戏剧学院学报)》(京)2015年2期
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